Rozenn Lecomte est une chorégraphe et interprète québécoise dont le travail s’ancre dans une affinité pour les corps rebelles et la pensée anticonformiste. Diplômée en chorégraphie de l’Université du Québec à Montréal, elle est récipiendaire des bourses William-Douglas et David-Kilburn, qui soulignent l’excellence de son engagement dans la discipline. Peu après sa sortie de l’école, elle est sélectionnée pour participer à Nice Try à Usine C, où elle accompagne Catherine Gaudet.

En 2023, elle présente sa pièce Le recueillement des tendres, soutenue par le Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ), suivie de La politique des regrets (2024), une pièce auto-produite présentée dans un appartement avec huit interprètes. Son premier solo, No man’s land, est présenté lors de So You Think That Was Dance? (Karen Fennell) et Espaces incarnés au Centre Phi (eXplo). La même année, elle co-crée this is not moving avec Ariane Levasseur, une pièce présentée à Tangente dans le cadre d’une soirée dédiée aux artistes de la relève.

Son travail bénéficie de résidences aux Grands Ballets Canadiens, au Centre de création O Vertigo - CCOV, à Circuit-Est, à l’Agora de la danse, dans plusieurs Maisons de la culture à Montréal, à La Charpente des fauves, et à fabrik Potsdam grâce à la résidence croisée Circuit-Est/fabrik en 2024. Depuis 2021, elle participe activement à des événements underground (Art Souterrain, Lez Spread the Word, Speak Up, etc.) en tant que chorégraphe, interprète, enseignante et directrice artistique. Elle anime également le balado Fil conducteur, où elle échange avec des artistes de la danse contemporaine montréalaise sur les enjeux de l’écosystème du milieu.

Elle développe actuellement deux nouvelles créations : une pièce de groupe autour de la réappropriation des fantasmes et un duo avec Ariane Levasseur qui poursuit leur démarche de rendre visibles les expériences des femmes queer en danse.

Influencée par la culture rock des années 80, la fureur du mouvement punk et les gestes d’émancipation collective, ma démarche chorégraphique s’ancre dans une volonté de faire du corps un lieu de résistance face à l’inévitable fatalité de l’existence humaine. J’y cherche une matière vivante, habitée, poreuse. Nous développons une esthétique du trouble, non comme un effet de style, mais comme une manière d’habiter le réel, de le rendre traversable.

Créer, pour moi, c’est aussi chercher à sublimer le quotidien : reconnaître ce qui nous traverse sans le détourner, jouer avec les images pour faire surgir la beauté dans ce qu’on ne veut pas toujours voir. Les relations, les gestes banals, les tensions ordinaires deviennent des terrains de jeu chorégraphiques, où le doux et le laid cohabitent. J’essaie de rendre visible la poésie de nos attachements, même quand elle grince.

Après l’isolement imposé par la pandémie, je ressens plus que jamais le besoin de travailler en groupe. Face à la tendance des solos qui ont envahi les scènes contemporaines, je choisis de créer des espaces partagés où la multiplicité des corps et des réalités se rencontre. Je crois en un studio comme espace de création communautaire, où être ensemble devient en soi un geste radical. Mes pièces naissent dans le collectif : des espaces où la parole, la musique et le geste s’entrelacent, et où les interprètes s’offrent dans une tension entre fragilité et intensité. Je travaille avec des artistes qui politisent leur manière d’être là, qui explorent les contradictions de leur présence, qui cherchent avec le corps un discours plus vaste que les mots.

Le travail commence dans la confiance. Par l’écoute, par la sororité, par une attention portée à la transformation de l’autre. Chaque mouvement est soutien, chaque souffle est un relais, chaque présence modifie l’espace. Il ne s’agit pas d’exécuter mais de vibrer ensemble. En mettant en lumière des corps indociles, j’espère proposer une vision rebelle et salvatrice de la scène, où les liens sont plus forts que les solitudes, et où l’intimité devient une forme de lutte.

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